The Best Tunes: Los Noventa (50 a 1)

Parte final de The Best, las mejores 50 canciones de los noventa en el punto y final a esta década en el panorama internacional.

Si en la anterior parte de la lista comentábamos los comienzos de los noventa como una época de explosión creativa, desde la electrónica al rock alternativo esa efervescencia se fue diluyendo con el paso de los años. El rock alternativo se transformo en no tan alternativo, con la fuerte inversión de las discográficas que termino por enlatar un sonido y cargarlo de medianías impulsadas por las mismas, el post grunge o el nu metal fueron estilos muy exitosos comercialmente pero muy pobres musicalmente, y al final de la década el rock se abrazaba a una oleada de grupos indie rock que empezaban a labrarse un nombre sin los medios necesarios para cambiar las cosas (ya veremos que internet y la difusión de la música por la red cambiaria esto). El gangsta rap también termino implosionando en la segunda parte de la década, si no terminando con el estilo si que consumiendo a sus máximos representantes en una especie de guerra absurda, y la electrónica si bien seguía ganando protagonismo y dejando nuevos y rompedores discos y estilos, la segunda mitad de los noventa palidecía si se comparaba con el primer lustro absolutamente arrollador en cuanto a creatividad e innovación. Una segunda parte menos brillante (que coincidió con los años donde las discográficas ganaban más dinero que en toda la historia), que tuvo como punto positivo el crecimiento del indie en todos sus estilos (especialmente el rock, el pop y el folk) y el nuevo aire que llego al soul y al r&b, en forma de lo que terminaría denominándose neo-soul.

50.SLEATER-KINNEY – ONE MORE HOUR

Ya hemos hablado de la escena riot girrrl que surgió a finales de los ochenta y principios de los noventa en Olimpia la ciudad al sur de Seattle. Heavens to Betsy fue una de las bandas abanderadas de ese movimiento, liderada por Corin Tucker uno de los referentes femeninos del rock alternativo, la banda tocaba en festivales con otras bandas del estilo, como Excuse 17 donde Tucker encontró a Carrie Brownstein. Para cuando ambas bandas se habían separado fruto del final de los estudios universitarios, Tucker y Brownstein fundaron Sleater-Kinney en 1994 para seguir haciendo música, su primer disco fue demasiado continuista, pero ya desde su segundo trabajo “Call the Doctor” cimentaron un sonido que se sustentaba en el punk rock y lo sazonaba con sus influencias grunge. Para 1997 eran la gran esperanza del rock alternativo y su tercer trabajo “Dig me Out” no decepciono, alejando su sonido del punk y alineándose con las influencias y tendencias que marcaba el indie rock que empezaba a abrir camino. En el año en que las Spice Girls vendían millones de disco vendiendo una prefabricada visión de un grupo femenino, Sleater Kinney eran la versión real de un grupo que abanderaba el poder femenino, regalando temazos contundentes y abrasivos como este “One More Hour” que es una de las mejores canciones de la década.

49.WEEZER – BUDDY HOLLY

Uno de los temas insignia de la banda americana fue este Buddy Holly homenaje a uno de los artistas mas geniales y trágicos del rock & roll de los cincuenta, y es también uno de los mejores exponentes de su sonido que mezclaba con solvencia el power pop sesentero con rock alternativo fuertemente influenciado por el grunge, sobretodo en las letras de adolescente enfurecido de Rivers Cuomo. Uno de los temas icónicos del “Blue Album” que fue el debut soñado por banda alguna. Un disco magnifico que situaban a Weezer como nuevos abanderados del rock alternativo, amen de uno de los pilares del emo punk. Weezer fracasaría comercialmente después en “Pinkerton” (que no fue reconocido en su justa medida hasta muchos años después por ser mucho menos inmediato y más oscuro) y no volverían a congraciarse con publico y critica hasta la década siguiente.

48.UNDERWORLD – BORN SLIPPY

“Drive boy, dog boy, dirty numb angel boy…” pocas estrofas son más reconocidas y representativas de la música electrónica en los noventa que esta que se repite en bucle en este tema de trance que salto a la fama gracias también a una película generacional de los noventa como “Trainspotting”. Curiosamente el tema termino formando parte de la BSO casi por casualidad (Danny Boyle , el directo del film la escucho en una tienda de discos e inmediatamente la quiso para su película). Underworld se formaron en 1980 en Gales, pero pronto la banda se afinco en las afuera de Londres donde publicaron su debut a finales de los ochenta aprovechando el despertar de la electrónica y el acid house. No fue hasta mediados de los noventa cuando cambiaron el synth pop por el techno y posteriormente el trance y el house progresivo como da muestra este tema absolutamente abrumador escrito en plena noche de borrachera de un por entonces alcohólico empedernido Karl Hyde, una de las dos cabezas visibles (la otra es Rick Smith) de la banda británica que lleva 40 años en el escenario.

47.THE ORB – LITTLE FLUFFY CLOUDS

No tan conocida como el tema que hemos visto antes pero mucho mas innovadora e icónica, este tema de ambient house con un claro componente psicodélico es simplemente magistral. Creado con un trozo particularmente onírico de una entrevista a la cantante Rickie Lee Jones (una de las rockeras mas populares de los ochenta), “Little Fluffy Clouds” es la cancion definitoria de The Orb, un grupo fundamental para comprender el chill out y el ambient house. The Orb lo crearon Alex Patterson y el gran Jimmy Cauty (la mitad de los chalados KLF) en 1988, como un show paralelo al que Cauty tenia en KLF. Las inquietudes de Patterson obsesionado con mezclar el sonido house popular en chicago con arreglos psicodélicos y melódicos setenteros, llevo como resultado la creación de este tema y del disco de debut donde se encuadraba en 1991 “The Orb’s Adventures Beyond Ultraworld”. La banda gozo de popularidad y éxito de critica durante todo el primer lustro de los noventa desarrollando mas su ambient house, mientras que en la segunda parte de los noventa sus inquietudes les acercaron al dub, el trip hop e incluso el drum & bass redondeando una excelente década para un dúo mítico en la electrónica que siguen activos en nuestros días.

46.IRIS DE MENT – LET THE MISTERY BE

Criada en los Ángeles (aunque nació en Arkansas) en el seno de una familia tradicional evangélica, Iris de Ment creció influenciada por la música gospel que le rodeaba en su juventud (debuto a los 5 años en un coro que se llamaba “The Little Dement Sisters” en uno de los namings menos afortunados que recuerdo), pero pronto también empezó a enamorarse de la música de Johny Cash o Loretta Lynn, no fue hasta los veinte cuando empezó a componer y cantar por las noches en bares mientras alternaba trabajos de limpiadora y camarera, fue allí donde gesto “Infamous Angel”, posiblemente (junto con “Harvest Moon”) el mejor álbum de folk de la primera parte de la década de los noventa. donde sobresale este excelente tema de melodía acogedora y donde brilla la particular voz de la cantautora, un tema que muchos años después formaría parte de una serie de culto (“The Leftovers”). El disco le valió a Iris un contrato discográfico y poder vivir de la música.

45.THE VERVE – BITTER SWEET SYMPHONY

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La carrera de The Verve es, como su canción estrella, una sinfonía agridulce, sus dos primeros discos estuvieron marcados por la influencia del rock psicodelico y el shoegaze a primeros de los noventa, después, en pleno boom del brit pop, la banda se sumió en una crisis entre constantes tensiones y un coctel incesante drogas que impidieron su despegue. Tras un amago de separación el grupo lo volvería intentar, mediante este tema de riff sinfónico incontestable, era finales del 97 y este tema, en plena época dorada del britpop catapulto a la banda y al disco posterior “Urban Hymms” al éxito, pero como ya hemos dicho tras las dulces mieles del triunfo tocaba la parte agridulce. La cancion pronto estuvo envuelta en polémica pues parte de su melodía estaba copiada de “The Last Time” de los Rolling Stones y las discográficas y productores de ese tema (los propios Stones sin embargo pasaron del conflicto) se enzarzaron en una disputa legal que terminaría con la banda cediendo el 100% de las ganancias de la melodía. Pese a ello el disco fue un superventas y la banda saldría de gira ese mismo año, una gira tumultuosa que terminaría con el grupo que se rompería definitivamente un año mas tarde.

44.BEASTIE BOYS – SABOTAGE

Es complicado separar este nervioso y archiconocido tema mezcla de punk y rap del extraordinario video de Spike Jonze. El director fue uno de los creadores de videoclips más prolíficos y exitosos de los noventa y esta una de sus obras maestras, 3 minutos de persecuciones absurdas (que crearon una moda que duraría casi toda la década) y gangsters bigotones que le sientan como un guante al frenético e histriónico tema de unos Beastie Boys que depuraron y perfeccionaron su sonido en los noventa tras el éxito cosechado a finales de los ochenta, donde su sonido sonaba más juvenil y de fiesta universitaria (en temas como “Fight For Your Right to Party”). Asi, en los noventa firmaron sus dos mejores trabajos (“Ill Comunication” y “Hello Nasty!”) con un estilo cada vez más centrado en el hip hop y aparcando paulatinamente el rock en pos de otros estilos que acompañasen a sus gritones raps (desde el jazz al funk sin olvidar la electrónica en temas como “Intergalactic”).

43.TEENAGE FANCLUB – NEIL JUNG

Teenage Fanclub son uno de esos grupos imprescindibles en el rock contemporáneo que nunca tuvieron la fama necesaria ni merecida, fundados en Bellshill, cerca de Glasgow en 1989, el grupo pronto sobresalió con un trabajo excelente como es “Bandwagonesque” en 1991. Su sonido mezclaba el rock sesentero británico más clasico (de Byrds a los Beattles) con las influencias alternativas de finales de los ochenta (Sonic Youth y compañía), logrando algunos de los mejores temas de power pop de los noventa. Destacamos como su mejor tema este “Neil Jung” que narra una relacion que no va a ninguna parte. La cancion esta ubicada en otro de sus grandes discos, “Grand Prix” de 1995.

42.PAVEMENT – GOLD SOUNDZ

Pavement nunca fueron famosos, la banda californiana es el mejor ejemplo de grupo de culto que nos dejo los noventa, una banda que siempre se movió en terrenos underground, representando mejor que ninguna el indie rock noventero. Cuando las grandes bandas del grunge triunfaban y llenaban estadios, ellos seguían con su música ecléctica y sus pequeños shows (de hecho durante sus comienzos evitaban actuar en directo y mostrarse públicamente, centrándose en su música y sus grabaciones). Su mejor éxito de ventas (“Cut Your Hair” que era una canción inmediata y popera) fue el primer single del álbum donde esta encuadrado este tema, el maravilloso “Crooked Rain, Crooked Rain” que es por derecho propio uno de los mejores álbumes de la década. Seguramente en contraposición a ese single sacaron después este “Gold Soundz”, un tema mas pausado, con un estilo más reconocible y que cuenta con una deliciosa melodía de guitarra que nos acompaña durante toda la canción, mientras el siempre calmado y caótico ritmo de la banda nos deja un poso nostálgico (esas guitarras post punk) que chocaba con la inmediatez y la virulencia del rock de la época. Será por eso que Pavement perduro y quedara siempre en nuestro recuerdo, cuando otros se perdieron en el olvido y temas como este cada vez nos parecen mejores, mientras otros se difuminan soportando cada vez peor el paso del tiempo.

41.MASSIVE ATTACK & TRACEY THORN – PROTECTION

Tras “Blue Lines”, su extraordinario disco de debut del que hablaremos después, y pese a que el disco fue un fracaso de ventas. Massive Attack, la banda que estaba cambiando la electrónica británica no abandono las bases de su música, todo lo contrario, reforzaron su compromiso con los downtempos, el sonido profundo, pausado y los arreglos melódicos y sintetizados. Otros problemas de cara a su siguiente disco fue la marcha de Sarah Nelson y la decisión de Tricky de dejar el grupo tras el álbum y dar el salto en solitario. La banda sin embargo siguió adelante y conto con Tracy Thorn como vocalista para grabar el single que diera nombre a su segundo disco. “Protection” era el trip hop en su forma definitiva evolucionado desde “Blue Lines”, y que además aparecía en el momento preciso, cuando la electrónica y el publico habían madurado. El disco fue un éxito (disco de oro) y la banda obtuvo el reconocimiento que merecía por entonces como grandes vanguardistas de la época.

40.MANIC STREET PREACHERS – MOTORCYCLE EMPTINESS

Manic Street Preachers siempre tuvieron claras sus metas como grupo, su rock alternativo siempre tuvo el objetivo de denunciar los desmanes y desfases de la sociedad capitalista que les rodeaba, su primer disco “Generation Terrorist” es posiblemente el mejor ejemplo de ello, aunque no el único pues su carrera en los noventa estuvo marcada por su combatividad. “Motorcycle Emptiness” es sin duda el single que mejor expresa esa intención, una denuncia a lo vació de la sociedad de consumo y las necesidades autogeneradas que crea en las personas para mantenerlas en las espiral del gasto y la compra, usando como alegoría el mundo de los moteros. Un extraordinario tema musical (que bebe del jangle y post punk ochenteros) y líricamente hablando que bien se merece un hueco en esta lista.

39.THE FUGEES – FU-GEE-LA

A mediados de los noventa el trio que formaban los inmigrantes haitianos Wyclef Jean y Pras Michel y la americana Lauryn Hill estaban a punto de tirar la toalla. Tras formarse en NY en el 90, y debutar con “Blunted on Reality” en 1994, habían visto como aquel álbum fracasaba estrepitosamente (no era mal álbum, pero ni su estética demasiado gangsta ni su sonido cuadraban con el grupo ni resultaban frescos). La discográfica (Universal) busco un productor que remezclará los temas en busca de algún hit para salvar el disco y al grupo, y lo consiguió. Fue Salaam Remi un jovencísimo dj que remezclaba pistas de dancehall mayormente. Salaam trabajo remezclando un par de pistas de ese álbum que vendieron bien, además, durante esas sesiones se gestaron las mejores canciones del que seria su disco definitivo, “The Score” nos presenta un rap menos agresivo, más africanista y sobretodo mucho mas mestizo y diferente de lo que estábamos acostumbrados, empezando por este magnifico “Fu-Gee La” que seria un absoluto éxito y el comienzo de sus exitosas carreras.

38.BLUR – GIRLS & BOYS

Para 1994 Blur ya eran un grupo con dos discos en su haber, que se había subido al carro del britpop (que ya hemos dicho que más que un estilo fue una corriente de grupos británicos y su particular versión del rock alternativo) aunque su talento y éxito estaba aun por llegar. Fue “Boys & Girls” el primer single de “Parklife” su disco más emblemático, el que les catapulto a ello. Una canción guatequera por excelencia que nos habla del desenfreno y el sexo adolescente, las manadas de británicos de vacaciones en el mediterráneo y su desenfreno sexual. Un tema animado y que sigue siendo todo un bit de de fiestas, casas y reuniones de amigos a lo largo de la década. “Parklife” permitió a Blur situarse al comando del britpop, junto con Oasis que debuto ese año, ambas bandas se situaron en curso de colisión, y la rivalidad con Oasis dio vida al mundillo musical británico los siguientes años. Blur, y sobretodo su líder Damon Alban, fueron alejándose del britpop y acercándose a la electrónica y a los sonidos afroamericanos ya fuera con proyectos alternativos (Gorrillaz) o con la propia banda, algo que veremos en futuras décadas.

37.THE CHEMICAL BROTHERS – HEY BOY, HEY GIRL

En plena efervescencia del “madchester sound” en 1989 Tom Rowlands y Ed Simons comienzan su carrera musical mezclando y pinchando en clubs de la ciudad. Sus sesiones mezclaban el house, el hip hop y el techno y pronto comenzaron a hacerse conocidos, tanto que formalizan su unión, llamándose Dust Brothers y comienzan a sacar sus primeras producciones musicales. En 1994, son fichados como djs residentes en Heavenly Sunday Social Club de Londres, un club donde se juntaba la flor y nata de la música británica de Noel Gallagher a Paul Weller, y donde el dúo termino de recibir el espaldarazo definitivo para publicar su debut en 1995. Un disco que se llama “Exit Planet Dust”, coincidiendo con el cambio de nombre a Chemical Brothers, y es un punto de inflexión en su carrera amen de un disco excelente que marcaba las líneas maestras de su propuesta, centrada en el big beat, y agrupando influencias del hip hop, mostrando un toque grandilocuente pensado para grandes recintos. El dúo publicaría dos discos más en los 90, el ultimo contenía este tema que destacamos como lo mejor del grupo en la década, un himno trance que quien más quien menos ha bailado hasta la saciedad en los festivales desde entonces hasta ahora.

36.NICK CAVE & THE BAD SEEDS – INTO MY ARMS

Ya hemos dicho que la década de los noventa para Nick Cave y sus Bad Seeds fue un éxito no solo a nivel musical sino también comercial. Ya hemos comentado el éxito de “Murder Ballads”, su disco de 1996, un disco que era tan accesible como degenerado líricamente (hablaba de muertes y asesinatos de manera bastante macabra). Su siguiente trabajo “The Boatman’s Call” fue una especie de redención, al menos líricamente de los pecados de ese disco, también da testimonio de una etapa dura del artista en lo personal (a sus problemas con la heroína unió su ruptura con PJ Harvey, quien posiblemente le dejara por ello). “Into My Arms” es una cancion eminentemente religiosa, donde Nick Cave busca consuelo para su alma torturada, una hermosa balada melancólica que es el mejor tema de la sobresaliente década del artista australiano.

35.DEPECHE MODE – ENJOY THE SILENCE

Depeche Mode vario su rumbo tras la salida de Vicent Clark como contamos en la lista de los ochenta, la banda aposto por el synthpop de corte industrial e influencias post punk, el resultado no termino de ser espectacular, aunque nos dejo grandes temas como “People ar People” que reseñamos en esa lista. La banda en los ochenta fue variando su sonido incorporando un toque más gótico y oscuro paulatinamente, conforme el estilo iba ganando popularidad, fue entonces cuando su música empezó a llegar al gran publico y la banda gozo de dos buenos discos a finales de los ochenta que tuvieron el favor del publico, especialmente “Music for the Masses” (el nombre parecía premonitorio) que fue todo un éxito comercial. Musicalmente sin embargo, la banda todavía seguía en busca de un sonido definitivo que no resultase tan efectista. No fue hasta 1990, tres años después de ese disco y gracias a la produccion de Flood, que el grupo firmaba “Violator” donde realmente consiguieron destilar toda la calidad de su sonido, encontrando el punto perfecto entre el synth pop, el pop gotico y el rock, y firmando un disco sobresaliente del que hace poco se cumplieron 30 años. Un disco plagado de excelentes canciones (de “Personal Jesus” a “Word in My Eyes”, pero donde nos quedamos con “Enjoy the Silence”, seguramente el mejor tema que nunca ha hecho la banda, marcado por ese riff en bucle de guitarra sobre una base eminentemente de synth pop ochentero en un conjunto magnifico. Por desgracia la revolucion alternativa, y la explosión del house, el trance y demás estilos electronicos estaba a la vuelta de la esquina, y Depeche Mode se diluyo el resto de los noventa como un azucarillo dejando eso si uno de los grandes discos de estos diez años.

34.PJ HARVEY – DOWN BY THE WATER

Tras “Rid of Me”, Pj Harvey empezó a relacionarse profesionalmente más con Nick Cave (con el que terminaría relacionándose sentimentalmente) y su banda The Bad Seeds, quienes participarían como músicos en sus siguiente trabajo, que conto también con Flood (que acabamos de ver como fue parte esencial del mítico “Violator” de Depeche Mode) que ensancho su sonido incorporando instrumentación variada a su por entonces crudo y espartano sonido. El resultado fue un disco mas melódico de la artista hasta la fecha, pero que conseguía mantener esa esencia alternativa desgarrada y cruda de la que Harvey había hecho su sello. El mejor ejemplo de ello es este sobresaliente “Down by the Water”, un tema de sonido abrasivo, letra turbia (una madre que mata a su hija por alguna transgresión sexual que esta cometió) y linea vocal inquietante. Harvey sacaría aun un disco más en esta década “This Is Desire?” que fue un disco absolutamente perturbador (no en vano fue grabado en una época particularmente inestable mentalmente de la artista) pero que seguiría engrandeciendo la carrera de una de las artistas referentes del rock alternativo.

33.GETO BOYS – DAMN IT FEELS GOOD TO BE A GANGSTA

A pesar que “Mind Playing Tricks on Me” es el tema más conocido de la banda de Houston, lo cierto es que para mi esta cancion, de 1992, con ese beat irresistible, y una melodía adictiva fuertemente influenciada por el g-funk es superior. Un tema cuyas letras glorifican el estilo dominante en el hip hop de los primeros noventa convirtiéndolo en un absoluto himno del gangsta rap. La cancion fue incluida en el recopilatorio de sus cuatro primeros discos grabado después del éxito de “We Can’t Be Stoped” que incluía el anteriormente mencionado tema sobre la salud mental que fue el punto de despegue de los Bushwick Bill, Scarface y Willie D y les permitió hacerse un hueco entre la flor y nata del gangsta rap, pese a que muchas veces se les menciona como pioneros del southern rap.

32.BELLE AND SEBASTIAN – GET ME OUTTA HERE, I’M DYING

A mediados de los noventa un joven y enfermizo (el artista padece fatiga crónica) Stuart Murdoch conoce a Isobell Campbell en una fiesta en Glasgow, tras hablar (y gustarse) Stuart le invito a unirse a su banda, estaba naciendo uno de los grupos de referencia en el indie pop. Su estilo resulta tímido y hasta naif asentándose sobre melodías delicadas y preciosistas que contrastan con sus letras melancólicas, personales y tormentosas. Sus primeros dos primeros discos (“Tigermilk” y “If You’re Feeling Sinister”) fueron publicados en el espacio de un año entre el 96 y el 97, y son dos maravillosos discos que contienen una sobresaliente colección de temas del que nos quedamos con este “Get me away from here, i’m dying”, un tema que repite la formula general de la banda, una suave melodía amena, y que en directo se convierte en divertida, que encierra una letra melancólica, resultando una de las joyas del pop de cámara cámara de la banda que les convertiría en iconos del indie pop,

31.RAGE AGAINST THE MACHINE – KILLING IN THE NAME

En 1991 Tom Morello y Jon Knox buscaban cantante para un nuevo proyecto musical tras la disolución de Lock Up, su primera banda. Escuchando rapear a Zack de la Rocha en un bar supieron que ese debería ser su frontman, y poco después Rage Against the Machine estaba creando música. Morello y de la Rocha tenían sensibilidades parecidas en lo político, hijos de inmigrantes, con conciencia de clase y espíritu revolucionario, pero no tanto en lo musical (Morello era fan del punk, el hardcore y de la Rocha del hip hop) el rap metal resultante fue un compromiso intermedio entre las influencias musicales de sus miembros. Su primer disco homónimo fue un autentico puñetazo en la mesa en pleno despegue del sonido alternativo, la generación X y la estética grunge. Especialmente este tema que señala el racismo en la policía de los Ángeles en plena resaca del asesinato de Rodney King por la policía que había provocado graves disturbios en la ciudad (la famosa frase que se repite como un manta “some of those that work forces are the same that burn crosses”). Un sobresaliente y contundente tema que les valió el reconocimiento y la fama en medio mundo, después llegarían 3 discos mas y la disolución de la banda que desde mediados de la década se vio sumida en conflictos internos.

30.ELLIOTT SMITH – BEHIND THE BARS

Tras su segundo disco de titulo homónimo, Elliott Smith ya era un artista aclamado por la critica, y pese a que su vida personal seguía dominada por la depresión, las drogas y el alcohol, su estado de forma creativo era insuperable. Su siguiente trabajo fue el mejor de su carrera, un disco en donde su sonido ganaba en instrumentación que mejoraba los matices de sus composiciones. Smith siempre fue un amante de los temas más nostálgicos folkies y brumosos de Big Star, la mítica banda de principios de los setenta liderada por Alex Chilton y es indudable que esa influencia se nota en un álbum (“Either/Or”) que por otra parte es tan sombrío y depresivo como siempre. El mejor tema del disco es este excelente “Between the Bars” que describe con maestría el funcionamiento de su adicción al alcohol, un susurro atrayente, como el de un amante para que te dejes llevar, y te rindas a la tentación para olvidarte de tus problemas. Este tema junto con otros dos de este disco fueron seleccionados en la BSO de “El Indomable Will Hunter”, que además contenía “Miss Misery” un tema original del artista grabado para la película, ese tema seria nominada a los Oscars como mejor cancion original, y Elliot Smith la canto en los Oscars vestido inmaculadamente de blanco. Esa noche como suele pasar, gano el showbussines y perdió la música ya que el premio se lo llevo “My Heart Will Go On” en la gran noche de ese frankestein mediático que fue “Titanic”.

29.CHAKA DEMUS & PLIERS – MURDER SHE WROTE

La mejor cancion de dancehall de los noventa es este hit imparable fruto de la constancia de Pliers y el talento de Chaka Demus. Pliers llevaba desde 1987 buscando una melodía para su “Murder She Wrote”, de hecho ese mismo año hizo una primera versión que no termino de cuajar, y no fue hasta 1992 que el tema vio la luz con la ayuda del “Bam Bam Riddim” (Los riddims jamaicanos son pistas instrumentales que los productores y soundsystems, las agrupaciones y conjuntos de músicos jamaicanos, grababan para que los mcs pusieran sus letras encima, un método de produccion musical que abarata costes y resulta vital en un país pobre como Jamaica). Un riddim creado a partir del sampleado de “Bam Bam” famoso tema de Sister Nancy creado por Sly & Robbie (uno de los grandes productores de la década en Jamaica). Por entonces Pliers se había juntado con Chaka Demus, en una unión de la que salieron una decena de álbumes y especialmente este himno del dancehall.

28.THE SMASHING PUMPKINS – 1979

La canción más personal y “humana” de Billy Corgan y sus Smashing Pumpkins es también su creación mas acertada, un tema simple, melancólico y calmado que contrasta con la grandilocuencia y el permanente estado de constante pelea contra todo y todos habituales en la banda. Una cancion donde un evocador riff de guitarra sobrevuela sobre nuestros oídos durante todo el tema mezclándose perfectamente con la hipnótica base electrónica. Su letra nos habla sobre la adolescencia, las ganas de vivir tu vida, y de tener independencia pero también de las cargas que conlleva esa libertad, del aburrimiento y la nostalgia. Un tema que fue el mejor single de los Pumpkins y cuyo titulo tenia un significado claro para Corgan, pues es el año en que cumplió 12 años, y suponía final de su niñez y el comienzo de la adolescencia.

27.PEARL JAM – REARVIEWMIRROR

Tras el éxito de “Ten”, su disco de debut, y la consiguiente explosión del grunge, las expectativas con respecto a Pearl Jam estaban en todo lo alto de cara a futuros trabajos, una presión que se noto en la grabación de “Vs”, el que seria su segundo disco. Fue tanta la exigencia que la banda hacia sesiones grabando solo un tema cada vez, pero aun así, los canciones seguían sin terminarse hasta el propio Vedder buscando la inspiración de sus tiempos mozos y nómadas, dormía en una caravana aparcada frente al estudio de grabación. “Vs” no tuvo ni el nivel ni la importancia de “Ten” , pero si que contenía algunos temas brillantes como este, por lo explosivo, guitarrero y crudo en lo lirico (habla de dejar atrás una relección y mirar hacia delante mediante ese metafórico espejo retrovisor de un coche donde ves las cosas mientras las vas dejando atrás) y que la convierten en mi opinión en la mejor cancion de la banda. Pearl Jam se recuperarían en “Vitalogy” y dejarían otros dos discos menores más en la década que les situó como una de las bandas referentes del sonido alternativo noventero.

26.DAFT PUNK – AROUND THE WORLD

Guy Manuel de Homen-Christo y Thomas Bangalter se conocieron en un instituto de Paris y ya desde 1992 empezaron a crear música mediante demos y pequeñas maquetas. Tras el éxito de “Da Funk” su primer single, el dúo obtuvo el espaldarazo definitivo para entregarse a grabar su primer disco “Homeworld”. Un trabajo donde se encontraba esta sobresaliente canción referente en la electrónica de final de siglo. Una canción que presenta de la mejor manera posible las raíces del sonido Daft Punk marcado por el gusto por los sintetizadores en melodías que recordaban al sonido disco y funk de finales de los 70 juntándolo con bases industriales ancladas en el house en una combinación que triunfaría en las décadas venideras. El sensacional video de Spike Jonze solo hace mas inolvidable a un tema rompedor de uno de los dúos electrónicos mas populares y exitosos del siguiente siglo.

25.GUIDED BY VOICES – GAME OF PRICKS

“Game of Pricks” es un tema 100% Guided by Voices, En apenas dos minutos Robert Pollard consigue fabricar un autentico clasico del power pop noventero con una sencillez y facilidad insultante, un tema increíblemente pegadizo y memorable con apenas un par de estrofas, un comienzo vibrante e inapelable con ese ya típico resonar de las guitarras afiladas tan característico de la banda para continuar en uno de sus mejores riffs. La brutal capacidad generadora de música de Pollard seguramente hizo que una de las mejores bandas del rock alternativo underground no tuviera el reconocimiento que merecía por la imposibilidad de seguir toda su música y la irregularidad de la misma, pero hits como este confirman que Guided by Voices es uno de los grupos imprescindibles del rock alternativo noventero.

24.SUEDE – ANIMAL NITRATE

Ya hemos hablado de Suede antes y conviene ahora remontarnos a sus orígenes, concretamente a 1993 en un contexto de plena avalancha de rock alternativo que venia desde USA, se estaba creando una nueva hornada de grupos británicos que llamaban a la puerta de lo que se convertiría en esa amalgama estilista que fue el britpop. Seguramente una de las puntas de lanza del contrataque británico fueron Suede, que en 1993 debutaban con un disco homónimo, la banda la sustentaban la pareja Brett Anderson, Justine Frischmann y el amigo de la infancia del primero Mat Osman, y su estilo tenia claras influencias del shoegaze y el jangle, pero recogiendo influencias del rock alternativo del otro lado del charco, asi, su sonido resultaba ruidoso y afilado y a su vez melódico y con gancho, el mejor ejemplo fue este “Animal Nitrate” (“homenaje” al nitrato de amilo una droga que se inhala, aunque por aquella época Suede era más de toneladas de cocaina, como reconoció el propio Anderson) que narra una perturbadora, decadente y tórrida ¿relacion? en una cancion con claro toque glam en esas guitarras que configuran un tema redondo y sobresaliente.

23.NIRVANA – SMELLS LIKE TEEN SPIRIT

Estamos sin lugar a dudas ante la canción mas conocida y reproducida de los noventa, un tema que pivota sobre un conocido riff del “More than a Feeling” de Boston e incorpora las influencias del rock alternativo ochentero (especialmente de Pixies de los que Kobain estaba enamorado) amen de evolucionar el sonido del primer álbum de la banda (“Bleach” en 1989). La cancion fue el primer single de “Nevermind” su segundo disco, el primero con una multinacional, y el gran éxito y fenómeno de masas que desbordo cualquier expectativa o precedente, permitiendo a Nirvana abanderar una generación de músicos de Seattle y catapultar su sonido, el grunge, como nuevo referente de la música alternativa. El éxito desbordado supuso para Kurt Cobain una losa de popularidad que le fue aplastando lentamente hasta empujarle a terminar con su vida varios años después, llevándose consigo a un grupo que se disolvió tras tan solo tres discos.

22.BUILT TO SPILL – CARRY THE ZERO

Built To Spill son una de las bandas fundamentales del indie rock, formados en Idaho por Brent Nelson y Doug Martsch su guitarrista y vocalista, quien venia rebotado de un par de bandas de punk rock durante los últimos ochenta y primeros noventa. Su primer disco ya evidencio el cambio estilístico de Martsch y Nelson (que había tocado en bandas de garaje) pues las guitarras se encontraban con el folk e incluso el jangle. Ese disco tuvo continuación en 1994, con su primer gran disco que sin embargo no tuvo excesiva repercusión y provoco la salida de Nelson que precipito un breve hiato en la banda. Nelson y Martsch se juntaron de nuevo en 1997 y comenzaron la mejor etapa del grupo sacando dos discos a finales de los noventa “Perfect From Now” y “Keep It Like a Secret” absolutamente fabulosos presentando una amalgama de power pop, folk rock, soft rock con toques progresivos e incluso de jazz, que se traducía en un sonido pausado, intrincado y denso, lleno de texturas complejas y pasajes oníricos que sirvió de inspiración a buena parte del indie rock de los años venideros. Pocos temas definen mejor ese sonido que este fastuoso “Carry the Zero”, con ese maravilloso tramo de guitarra que parte la cancion, un tema encuadrado en “Keep it like a Secret” y que es uno de los grandes del indie rock noventero en toda la historia.

21.SLOWDIVE – ALISON

Los primeros noventa fueron la época de la rebelión en el rock, guitarras estridentes y pesadas, sonidos agresivos o al menos pasivo agresivos, y propuestas contundentes reflejo de una generación rebelde, disconforme y gritona, no es de extrañar por tanto que Slowdive, una banda que mezclaba el dream pop con el shoegaze más melódico tuviera poco cartel entre el publico y sobretodo en la critica de esos años. Los Ingleses recibieron criticas atroces en su debut “Just For a Day” en 1991, y pese a que su siguiente disco conto con Brian Eno entre sus colaboradores “Souvlaki” tampoco se libro de las criticas feroces a un sonido que por entonces parecía maniqueo, plano, acaramelado y sumiso. Tuvieron que pasar los años para que se reconociera a “Souvlaki” como uno de los discos fundamentales del shoegaze noventero, y “Allison” como uno de sus himnos imperecederos, una maravilla de medios tiempos, armonía y distorsión. Una justa revisión a Slowdive, que volvieron hace no mucho a sacar música, como uno de los grandes grupos de los noventa.

20.BECK – LOSER

Nacido en los Ángeles, David Campbell era poco menos que un paria y un outsider cuando emigro a NY a finales de los ochenta con su guitarra y menos de 10 dólares en la cartera, por entonces sus inquietudes musicales se centraban en torno al folk, un folk alternativo bizarro, irónico e incluso surrealista, y fue en NY donde se despertó su interés por el hip hop y el rap. Tras su etapa neoyorquina, y cansarse de pasar frio y hambre volvió a Los Ángeles (aunque seguía malviviendo como un mendigo y trabajando en restaurantes de comida rápida) finalmente por medio de un contacto con BGM llego a un acuerdo con el productor de Rap-A_lot Records (la productora de Geto Boys) para grabar un tema de rap. En su cuartucho rodeado de ratas, Beck comenzó a escribir su rap, descubriéndose como el peor rapero del mundo, más aun un autentico perdedor, inconscientemente la inspiración le llego al instante. “Loser” es el himno del misfit, el fracasado de la vida que paradójicamente se convirtió en un hit en el 94 (pese a que Beck no se atrevía a publicarlo por que la consideraba una cancion mediocre) un que musicalmente es más rock que hip hop y catapulto la carrera de un artista diferente y genial.

19.BJORK – HYPERBALLAD

La canción que corona el tercer disco de Bjork, y posiblemente la mejor canción de la pequeña pero genial islandesa es una atípica canción de amor (pues aun cuando defiende la vida en pareja expresa su deseo de independencia y demanda tiempo para ella misma) elaborada con una amalgama de sonidos electrónicos mezclados de manera soberbia, un tema que juega con los tiempos y los estilos mutando desde sus comienzos ambient al house del final en una canción en la que admirar los alardes vocales de Bjork y dejarse transportar a su particular y genial universo. Una joya de otro soberbio disco como fue “Post” y que no hizo sino confirmar el status de la islandesa como una de las genuinas reinas de la música de vanguardia.

18.NEUTRAL MILK HOTEL – IN AN AEROPLANE OVER THE SEA

Tiempo ahora para hablar de posiblemente el mejor disco de los 90, un trabajo único y sobresaliente a partes iguales. Fue el segundo y a la postre ultimo trabajo del grupo de rock/folk liderado por el peculiar Jeff Magnun. Neutral Milk Hotel firman un disco en el que su protagonista viaja al pasado y salva a Anna Frank de su trágico final. Este viaje le sirve a Magnum para hablar de la adolescencia, el amor pero también de la falta de esperanza y la muerte. Especialmente onírico es el tema que vamos a destacar en primer lugar y da nombre al álbum, una balda folk rock lo fi con esos vientos que dan un toque ensoñador y cuya letra invita a aprovechar el momento y no pensar en el mañana, en un conjunto absolutamente deslumbrante y cuasi perfecto, que con todo, como veremos luego no es el mejor de un disco magnifico.

17.DJ SHADOW – MIDNIGHT IN A PERFECT WORLD

Dj Shadow empezó haciendo sus pinitos como dj en la universidad de California, mezclando y pinchando sobretodo hip hop. Apasionado de los sampleados y la electrónica, pronto esas influencias quedaron patentes en su música. Para 1994 había firmado un contrato discográfico y se había puesto a grabar el su álbum de debut. Un trabajo que seria revolucionario en el hip hop y la electrónica. El mejor ejemplo de ese trabajo es este soberbio corte que como el resto del disco esta fabricado a partir de sampleados de toda clase de temas y estilos diferentes (jazz, rap, trip-hop, rock….), cortados, mezclados y unificados de manera casi artesanal sobre bases de hip hop, un disco que supone un antes y un después en los samplers y su uso en la música, y que junto a este excelente tema quedaran en el recuerdo.

16.THE FLAMING LIPS – RACE FOR THE PRICE

Formados en los ochenta, Flaming Lips sus comienzos fueron de lo más underground como una banda que mezclaba el rock psicodélico con el noise y posteriormente el shoegaze. En los noventa firmaron por Warner y comenzaron a crear música más centrada en el pop, pero siempre con el toque bizarro y surrealista de la banda. En esos primeros años del los noventa el grupo adquirió cierta relevancia. Tras la marcha de su guitarrista y la catarsis del grupo a modo de disco cuadruple cuadrafónico infumable (un experimento pensado para escucharse en cuatro equipos a la vez), The Flaming Lips volvieron por todo lo alto al final de la década, con una propuesta más ordenada y centrada de lo que acostumbraban y potenciando su sonido centrándolo en el pop psicodélico, con instrumentación profusa y partes orquestadas pero sin dejar de lado su toque experimental. El tema que mejor define ese sonido es “Race for the Price”, un tema que habla de la superación y el esfuerzo hacia el éxito en el primer single de “Soft Bulletin” que supuso el primer gran salto de una etapa especialmente brillante para la banda que capitanea Wayne Coyne .

15.OASIS – LIVE FOREVER

Para mediados del 94, el panorama musical del Reino Unido esperaba con ansia el debut de una banda de Manchester que había puesto el listón muy alto con sus dos primeros singles que anticipaban al disco. Oasis finalmente publicarían su álbum “Definitely Maybe” el mismo día que su tercer single, que fue este maravilloso tema creado por Noel Gallagher que venia trabajando en el desde 1991. Su letra fue inspirada por el “I Hate Myself and I Wanna Die” de Nirvana (Gallagher no podría entender como alguien en su juventud y en plenitud de éxito podía querer morirse) y cuyo sonido perfecciono el productor Owen Morris. Convirtiéndose en un tema potente, guitarrero pero también vitalista, divertido y alegre que fue a la postre el mejor hit de la banda británica, cuya fama se dispararía desde entonces convirtiéndose en el referente del recién del Britpop.

14.BELLE & SEBASTIAN – THE BOY WITH THE ARAB STRAP

Tras “Tigermilk” y “If You’re Feeling Sinister”, Belle & Sebastian giraron intensamente en el 97, y profesionalizaron la banda, haciendo de su trabajo creativo un proceso más democrático, donde no solo Stuart Murdoch creaba y decidía, también Isobell Campbell y Stevie Jackson (el guitarra) crearon e incluso cantaron varios tema. En el 98 se encerraron a grabar un nuevo disco y el resultado fue “The Boy With the Arab Strap”, un disco de estructuras algo más complejas pero que no perdía los valores que había mostrado la banda, la cancion que da nombre al álbum, es un magnifico ejemplo de la vitalidad y jovialidad de algunas melodías de la banda (si bien el disco en general era algo más oscuro y fatalista de lo que nos habían acostumbrado en sus dos primeros trabajos) en medio de un relato costumbrista y críptico que Murdoch acostumbraba (por cierto Arab Strap era un grupo escoces amigos de la banda, a los que por cierto no hizo mucha gracia su inclusión en el titulo) .

13.PORTISHEAD – GLORY BOX

En 1994 el mundo estaba a punto de ver como dos álbumes cambiaban la electrónica para siempre, tres años después de que Massive Attack diera un toque de atención y pusiera en el mapa al sonido Bristol, el colectivo estaba a punto de sacar un nuevo trabajo, pero en su misma ciudad el dúo que formaban Geoff Barrow y la siempre angelical voz de Beth Gibbons publicaba también su primer trabajo, un disco seminal de trip-hop aunando las sensibilidades de sus dos componentes (Barrow era amante del hip hop y Gibbons enamorada del soul y fan acérrima de Janis Joplin) para crear un conjunto de temas downtempo, ritmos quebradizos, cargados de sampleados orquestados, glitches electrónicos y voces sensuales. “Dummy” es un trabajo inmaculado que situaba a Portishead como los máximos abanderados del trip-hop, del disco nos quedamos con esta canción nacida del sampleado de un tema de Isaac Hayes (“Ike’s Rap II”) y que Gibbons convierte en un clasico instantáneo, en donde una mujer despechada se pregunta por los motivos para seguir viviendo una relación tormentosa, e incluso las razones para seguir sintiéndose una mujer.

12.THE NOTORIOUS B.I.G. – JUICY

Ningún tema resulta más destacable del primer álbum de Notorious B.I.G que “Juicy”, no solo porque sea el tema más redondo, una combinación entre hit comercial y tema de rap excelente, sino también por su carácter autobiográfico que cuenta la historia del joven Christopher Wallace y su camino hasta ser Notorious B.I.G . Crecido en los ghettos neoyirkinos, estudiante fracasado, pandillero juvenil que hacia sus pinitos con las rimas y los ritmos mientras trapicheaba con droga, Wallace conoció a Sean Combs (Puff Daddy) quien le propuso cambiar su vida de gangster de pacotilla por un futuro brillante en el rap. El resultado fue “Ready To Die” el primer disco que resucitar el rap de la costa este, con una mezcla entro lo comercial y el relato del ghetto que tan bien había resultado en la costa oeste. Un disco excelentemente producido del que otras canciones podrían haber entrado en esta lista (“Big Poppa” o “Gimmie the Loot” por ejemplo) pero no deja de ser justo reconocer un tema que fue un hit desde el mismo momento de su lanzamiento, un tema positivo para una vida trágica breve y tormentosa.

11.FOO FIGHTERS – EVERLONG

Dave Grohl fue el único integrante de Nirvana cuyo paso por el grupo no dejo extenuado y harto de la música en general y el grunge en particular, todo lo contrario, con la muerte de Kurt Cobain y la disolución del grupo, Grohl fundo Foo Fighters y fue reclutando miembros, desde Nate Mendel y William Goldsmith (ambos ex Sunny Day Real State) a su amigo Pat Smear que había tocado con el en Nirvana. Su idea era seguir en la brecha del grunge que a mediados de los noventa daba síntomas de agonía. Para 1997 el post grunge, que amalgamaba sin mucha frescura varias influencias del grunge y el rock alternativo, había ocupado el sitio del estilo de Seattle, y Foo Fighters publicaban su segundo trabajo, diferenciándose del resto de propuestas de un estilo más comercial que creativo. The Colour and the Shape” es un buen disco, y “Everlong” una de las mejores canciones alternativas de la década, una cancion más emo que post grunge que supone un recital del genio compositivo de Grohl que siguió dejando pinceladas de su talento, en un estilo en el que escasean.

10.WU-TANG CLAN – C.R.E.A.M.

Ya hemos dicho que Wu-Tang Clan fueron uno de los responsables del resurgimiento del rap de la costa este en los noventa, formados en 1992 como un colectivo de nueve mcs alrededor de RZA (quien además de productor era el líder espiritual del grupo y el que le dio ese ethos de clan de kung fu, siguiendo la leyenda de las espadas Wu). Pronto The Wu, aterrizaron en nuestras vidas con un single “Protect Ya Neck” al que siguió su primer LP “Enter The Wu-Tang: 36 Chambers” en donde nos relataban sus historias que alternaban el ghetto, las drogas y la violencia con las espadas wu-tang, los monjes shaolines, el kung fu, y las abejas. Dejando de lado sus relatos y mix inverosímiles, lo mas importante de Wu-tang Clan era el hip hop, crudo y concentrado y despojado de efecto distractores, un rap de letras enrevesadas, bases desnudas y sampleados geniales, eso ofrecía este “C.R.E.A.M” que para mi es el mejor tema de un álbum demoledor ( y del que bien podríamos haber rescatado “Protect Ya neck” o “Da Misteries of Chessboxin”)

9.RADIOHEAD – PARANOID ANDROID

Formados a finales de los ochenta, dados a conocer en el 93 con un disco y un single “Creep” que sonaba a grunge de mercadillo, la banda británica pronto creció y formo su propio sonido (para disgusto de EMI su discográfica pues “Pablo Honey” el disco de “Creep” vendió como rosquillas). “The Bends”, su disco de 1995 fue todo un paso adelante, que remataron en 1997 con su obra maestra “Ok Computer” su tercer disco que contenía este “Paranoid Android” sin duda el tema que mejor define el sonido definitivo de Radiohead. Su pop rock progresivo dotado de un toque vanguardista en sus arreglos y sus estructuras se muestra en esta cancion que es un relato de una sociedad futura degenerada que curiosamente se parece cada vez mas a la nuestra. Una cancion dividido musicalmente en tres partes, la primera mas acústica, la segunda mas guitarrera y frenética para terminar en una parte mas armónica que culmina con un solo de guitarra que se va desintegrando en sonidos robóticos, un tema ejemplar para un grupo que aun hoy es referente de vanguardia y virtuosismo en la música independiente.

8.PAVEMENT – SUMMER BABE

La leyenda de Pavement empezó con “Slanted and Enchanted”, el primer disco del proyecto que Stephen Malkmus y Scott Kannberg pusieron en movimiento a finales de los 80. Admiradores de The Fall pero sobretodo de The Replacements, Pavement consiguió combinar el rock alternativo de los de minessotta con el fuerte carácter experimental y post punk de los primeros. “Slanted and Enchanted” circulo de mano en mano ganando en popularidad hasta que finalmente se publico oficialmente, el disco que se abría con este tema de sonido lo-fi, guitarras post punk, ritmo caótico y letras marcianas y gritonas. Había nacido Pavement, y con el el rock había cambiado para siempre, por temas como este, que a partir de melodías deslavazadas, guitarrazos espontáneos, letras histriónicas y estructuras caóticas, conseguían crear temas de rock perfectos.

7.MOBB DEEP – SHOOK ONES PT.2

Suena un sintetizador casi psicótico que percute nuestros oídos y hiela la sangre, y da paso a un beat hipnótico mientras los integrantes de Mobb Deep (Prodigy y Havoc) lanzan sus aterradoras chanzas delante del micrófono “I got you stuck off the realness, we be the infamous” “You heard of us, official Queensbridge murderers” “Speak the wrong words man and you will get touched” que hielan aun mas el corazón, un retrato directo a tu mente de la juventud del ghetto, obligada a madurar y endurecerse en un ambiente hiperviolento de drogas, pandillas y supervivencia del mas fuerte y el más listo. Crudo y aterrador, así era Queensbridge en los noventa y así te lo cantan dos jovenzuelos desgarbados que sin embargo resultan aterradores. Por eso (y porque el beat y el sampler son soberbios) este es uno de los mejores ejemplos del gangsta rap como retrato de la realidad de los ghettos americanos de los 90. El gangsta decaería en su predominancia en el segundo lustro de los noventa, pero hasta nuestros días sigue muy vigente en el rap.

6.MASSIVE ATTACK – SAFE FROM HARM

A mediados de los ochenta se formo en Bristol un colectivo denominado The Wild Bunch, que aglutinaba una serie de artistas cuyas influencias se compartían entre la electrónica y el hip hop (desde djs a raperos o graffiteros) fue ahi donde surgió Massive Attac. Un cuarteto formado por 3D, Tricky, Mushroom y Daddy G (al que se incorporaban artistas invitados como Horace Andy o Sarah Nelson que cantaban en la mayoría de las producciones). En 1991 publicarían su primer trabajo “Blue Lines”, uno de los álbumes fundamentales de la historia de la electrónica y de la música noventera. Pues fue el claro precursor del trip hop, y la primera vez que escuchamos el sonido Bristol que triunfaría a mediados de los noventa. Es difícil elegir un tema para incluir en esta lista de ese disco (Nos podríamos haber quedado con “Unfinished Sympathy” o “Daydreaming”) pero nos quedamos con este magnifico tema de bases hip hop, sintetizadores y arreglos orquestales que junto a la majestuosa voz de Sarah Nelson que consiguen fabricar una canción de una sutileza y belleza inigualables, una que combina la grandilocuencia, la pausa y la gravedad algo que se convertiría en el sello del grupo. El álbum fue un éxito rotundo de critica pero no vendió nada bien, y la banda tendría que esperar unos años para ser aclamada también por el gran publico y reconocida como se merecían como hemos visto.

5.MAZZY STAR – FADE INTO YOU

Una guitarra acústica rompe el silencio y repite incesante un suave riff que busca transportarte a lugares apacibles, al cabo de un rato se superponen las lánguidas notas del steel pedal que dan a la canción un profundo aire melancólico y onírico finalmente escuchamos la voz aterciopelada de Hope Sandoval para completar el sueño, hablándote directamente al corazón. Este sueño sonoro de poco mas de cuatro minutos es una maravilla que aun hoy consigue ponerte la carne de gallina y supone la quintaesencia del dream pop de los noventa. Un tema encuadrado en el segundo álbum de Mazzy Star, grupo fundado por el gran David Roback y Hope Sandoval de las cenizas de Opal (una de las bandas de la Paisley Underground).

4.DR. DRE & SNOOP DOGG – NUTHIN’ BUT A G THANG

Sin duda la historia del hip hop en la costa oeste de los Estados Unidos no seria la misma sin Dr. Dre. Su contribución al genero es tanta y tan vital que no se entendería el estilo sin el, su primer disco en solitario después de la ruptura de N.W.A “The Chronic” sentaría las bases del sonido de toda una generación venidera, con esos sintetizadores distorsionados usados como sampleados de los beats de clara influencia funky, fue también de su mano de la que medraron artistas como Warren G o Snoop Dogg, este ultimo se dio a conocer gracias al sensacional tema que nos ocupa, que se sitúa en la cúspide del g-funk y del gansta rap que permitiría a la West Coast ser hegemónica a principios de los noventa. Un referente del gangsta encuadrado en el peor momento de la violencia en Los Ángeles y de la guerra entre crisps y bloods que se llevaría por delante cientos de vidas de muchachos del ghetto, entre ellas las de muchos raperos.

3.MY BLOODY VALENTINE – ONLY SHALLOW

Estamos ante una de las bandas míticas y uno de los discos legendarios del noise y el shoegaze. “Loveless” es el mejor ejemplo que uno puede tener de distorsión y “Only Shallow” su mejor tema, una mítica canción donde los Irlandeses sobreponen atmosferas, capas y mas capas de guitarras, superponiendo distorsiones, reverbs y feedbacks sobre una en principio inocente melodía pop, en un conjunto que a día de hoy sigue siendo casi imposible de alcanzar. Un tema en el que ningún instante se deja en silencio y todo se llena con un muro de sonido que exprese la fuerza de las emociones que describen las letras. My Bloody Valentine solo sacaron tres lps en toda su carrera (y uno fue en su vuelta en 2013) aunque si publicaron diferentes eps desde el 83 cuando se crearon hasta 1991, año de este “Loveless” que fue su ultimo trabajo hasta su reunión en la década pasada.

2.NEUTRAL MILK HOTEL – HOLLAND, 1945

Dejamos pendientes el regreso a “Aeroplane Over the Sea” para comentar nuestra cancion preferida del mismo y uno de los mejores temas de la década, estamos hablando de “Holland 1945” un autentico himno de folk-punk cuya letra recuerda a Anna Frank para trazar una psicodélica linea temporal alternativa (que termina en España). Una cancion fuertemente sentimental, poética y poderosa de la que es imposible no quedarse prendado, destaca ese fuzz que inunda el background del tema, y distorsiona cada instrumento desde el órgano a los vientos que sirven de acompañamiento a la frenética melodía y al canto desgarrado de un Magnum poseído. Un tema que corona un álbum absolutamente diferente, conmovedor, juvenil y ensoñador un disco único que paradójicamente supuso a la postre el final de la carrera del grupo, cosas de Jeff Magnum.

1.PULP – COMMON PEOPLE

Llegamos al final de esta lista con el himno generacional indiscutible de los 90, la canción que narra la historia de una niña rica (se dice que Jarvis Cooker se inspiro en Danae Stratou, la mujer del ex ministro de finanzas griego Varoufakis) que llega a Inglaterra ávida de experimentar y vivir como la gente normal, el relato de la rabia y la impotencia detrás de la vida de la clase obrera en esta sociedad implacable y consumista, de la hipocresía e ironía que representaba el capricho de mudarse a Hackney (barrio obrero por excelencia de Londres) de una pija aburrida de su vida de lujo para vivir una fantasía posh que supone la cruda realidad para “la gente normal”, una canción que representa el culmen de la carrera de Pulp. La banda de Jarvis Cooker empezó en los ochenta y fracaso estrepitosamente hasta el punto de que Jarvis abandono su carrera musical (es por eso que fue al St Martins Collegue a estudiar cine y conoció a la protagonista de esta canción). Ya vimos antes como a mediados de los noventa el grupo cobro nueva vida encontrando refugio en el Britpop. “Common People” y su disco a “Different Class” representan la cúspide de su popularidad y de la música de un excelente grupo que quedara siempre en el recuerdo, como dicen ellos humildemente, aunque solo sea gracias a esta maravillosa y reivindicativa fabula.

Finalizamos con la lista de Spotify con todas las canciones reunidas.